The Ten Shades Of Blues (2009) es el último trabajo del extraordinario bajista Richard Bona. Tomando al blues como motivo central, Bona se lanza a la búsqueda de las múltiples formas que éste puede adquirir, atravesando géneros y culturas alrededor del mundo.

De norte a sur, de este a oeste, se cruzan lo moderno con lo tradicional. "Shiva Mantra", que lleva al blues a las profundidades de la India de la mano de un selecto conjunto de músicos e instrumentos tradicionales de aquel país, liderado por las voces de Shankar Mahadevan, Nadini Srikar, Vivek Rajgopalan; la tabla de Satyajit Talwalkar y el sitar de Niladiri Kumar, es una verdadera joya que da inicio a un viaje en donde el término "world music" calza a la perfección. Con "Good Times", el reconocido vocalista Frank McComb aportar toda su capacidad para cantar soul, llevando el blues a ese terreno más conocido como es el sonido urbano norteamericano.

Con la trilogía "Mbemba Mama", "Kurumalete" y "Souleymane" Bona regresa a su África natal, rememorando sus orígenes y el dialecto douala materno. La música country también tiene su momento con "African Cowboy", y "Esukudu" y "Sona Moyo" retoman lo más puro de los ritmos y cantos del África Occidental, mientras que "Yara’s Blues" escarba en las raíces gospel del blues. Y finalmente, el cierre está dedicado a su país natal con "Camer Secrets".

Cadencias de todos los colores y la magistral ejecución de su bajo eléctrico. Para no perder la autenticidad de cada momento y lugar, los temas fueron grabados en India (Mumbai) y Estados Unidos (Nueva York), cubriendo así el amplio espectro geocultural que ha alcanzado este músico global. The Ten Shades of Blues es un perfecto ensamblaje de culturas e influencias, un excelente trabajo que merece todo nuestro reconocimiento.

Tracks list:

01. Take One

02. Shiva Mantra

03. Good Times

04. Mbemba Mama

05. Kurumalete

06. Souleymane

07. African Cowboy

08. Esukudu

09. Yara's Blues

10. Sona Moyo

11. Camer Secrets

Página web oficial: Richard Bona

Otis Taylor tiene un don para los títulos interesantes; Blue-Eyed Monster y When Negroes Walked the Earth son algunos de los CDs que el músico de Denver ha registrado antes de White African. Taylor también tiene la habilidad para grabar temas muy oscuros y serios esta versión de 2001, está lleno de ellos. En White African, Taylor cuestióna los linchamientos en el Sur Profundo ("Santa Marta Blues") para las personas sin hogar ("Hungry People") por no poder pagar la atención médica de un niño enfermo, ("3 Days and 3 Nights" ). Taylor no trata de disimular sus inquietantes letras con melodías felices. Muy influenciado por John Lee Hooker, el alma de Taylor es muy a menudo temperamental, oscura, inquietantes surcos. White African es tan oscuro musicalmente como líricamente. Con los años, el humor negro ha jugado un papel importante en el blues, los artistas de hip-hop y blues son conocidos por la búsqueda de una variedad de formas de humor inteligente para decir lo cruel de la vida para los negros en Usa. ~ Alex Henderson

Personal: 

Otis Taylor (vocals, acoustic guitar, banjo, electric banjo, mandolin, harmonica);

Eddie Turner (guitar, slide guitar);

Kenny Passarelli (keyboards);

Cassie Taylor (background vocals).

1. My Soul's In Louisiana

2. Resurrection Blues

3. Momma Don't You Do It

4. 3 Days And 3 Nights

5. Round And Round

6. Stick On You

7. Rain So Hard

8. Lost My Horse

9. Saint Martha Blues

10. Ain't No Cowgirl

11. Hungry People

Trasfondo de música de Malí, ecos de blues, ritmos caribeños y armonías renacentistas europeas, Diario Malí es el resultado de la unión entre Ludovico Einaudi y Ballaké Sissoko, el diálogo entre dos virtuosos de diferentes mundos que se encuentran en el desierto y se regalan los sonidos de sus instrumentos (piano y kora).

Pocos compositores abarcan tanta definición de estilos musicales como Ludovico Einaudi. Su música frecuentemente se describe como minimalista, clásica contemporánea, impresionista, new-age, ambiente, espiritual, vanguardismo, world music, introspectiva... Einaudi empezó su carrera musical componiendo música de cámara, para bandas y coreografías para teatro y danza, que inmediatamente alcanzó un gran éxito, siendo interpretada en los más famosos escenarios internacionales como el Teatro de La Scala, Maggio Musicale Fiorentino, Tanglewood Music Festival, Centro UCLA para las artes, el IRCAM de Paris, el Festival de Cine de Budapest, etc. Poco después comenzó a componer música para películas, campo en la que ha desarrollado una intensa y exitosa actividad con 12 bandas sonoras y cuatro premios a la Mejor Banda Sonora concedidos en Italia y en el extranjero.

Por su parte, Ballaké Sissoko, uno de los mejores intérpretes de kora de todos los tiempos, que ya grabó con su maestro Toumani Diabaté New Ancient Strings (un álbum llamado a convertirse en clásico de la kora), nos muestra su acierto para experimentar con este instrumento (transmisor de la cultura de los pueblos del África occidental) en trabajos posteriores tan excepcionales como con el fabuloso 3ma (con Rajery y Driss el Maloumi) y Chamber Music (con el chelista francés Vincent Ségal).

En Diario Malí, grabado en el Teatro Petrella (Longiano), encontramos kora y piano, piano y kora, interrelacionados, formando una melodía donde todo es cálido y sensual, donde las sensaciones nos conducen a los grandes desiertos y la sabana africana. Calma nostálgica y desértica con una enorme sonrisa iluminada que trasluce más allá del tiempo. Un disco intimista y excepcional.

tracks list:

01. Laissez moi en paix

02. Entre nous

03. Soutoukou

04. Chanson d´amour

05. Chameaux

06. Ma mere

07. A l´ombre

08. Niger blues

09. Mali sajio

10. Dessert dans le desert

Wah Wah 45s are very proud to announce the release of Kalba, the first album from Ghanaian xylophone master Isaac Birituro and Leeds-based producer and singer- songwriter Sonny Johns AKA The Rail Abandon. 
 


The boundary crossing duo were introduced to the world via the first two singles released in early 2019, Yesu Yan Yan and Für Svenja, and the reactions to the project have been overwhelmingly warm.

There are many differences between Isaac and Sonny, but a powerful similarity–– which gives Kalba its element of relatability–– is that desire to hear the usual done unusually and play with the shared influence of the music from afar. Named after the town in North Ghana where Isaac resides, the album is a combination of differences; a magnifying glass over the Venn diagram of our lives, the unfathomable meeting of parallel lines.
 


“It was clear to me that, though he played a traditional instrument in a traditional way, Isaac was influenced by the Western tinged music that filled the streets of Accra – in fact his father, Edmund, introduced him with “He plays the modern way!” Partly dismissive, mostly proud," said Sonny. "And as this Viking sat before him played the guitar, it sounded too much like the stringed instruments of Mali for it to be just a coincidence.” 
 


There are so many stories behind each track on this album, but the common denominators are clearly the importance of community, of preserving and presenting local cultures, the ardent desire to contribute to changing the world around us, and, of course, the love and power of music created from a genuine place. 
 


Isaac and Sonny shared a feeling once the recording was done: “The moment we sat down to listen to the first days recordings, we both could hear far more than had been picked up by those microphones.” The album was recorded in St Mary's Church, and the energy of the place seems to have been perfectly captured by the way it has been constructed: the sounds, the melody, the words and the emotions behind them all con- tribute to transpose the audience into the very heart of Kalba. Which is no small achievement. 
 


Kalba also features a string of very special guests including Seb Rochford, Leafcutter John, Raph Clarkson, and Elliot Galvin, who have lent their musical brilliance to making this record a reality and giving it such a particular, warm sound. 
 


The project came about thanks to the wonderful team at Rüt’n’Rock Festivals, especially Tim Becker and Svenja Albers, and part of the proceeds from this album will be directed to funding their mission of building a school in Kalba, in order to continue to use education as a way to impact on people’s lives in the most positive and sustainable way. 
 


1. Yesu Yan Yan 05:11

2. Highlife 05:37

3. Bo Ma 03:54

4. I Know (I'm OK) 04:57

5. Da Po 00:27

6. Für Svenja 03:32

7. Nye Fo Chen 04:41

8. La Cocina 03:34

9. Bo Le De Ma 03:50

10. So Ma 04:35 

 Narrador, poeta, compositor, guitarrista y percusionista, Cheikh N'Digel Lô ha tocado reggae, rumba congoleña, son, mbalax, jazz, funk y afrobeat en una carrera que comenzó en 1985 y que ahora alcanza un punto de inflexión con Jamm, su trabajo más íntimo, definido por él mismo como "un arco iris de sonidos".

Aunque nacido en Burkina Faso, Cheikh Lô es una de las principales figuras de la escena musical senegalesa. Seguidor de Baye Fall, lider del sufismo africano (motivo de sus rastas y por el que viste de forma coloreada), Cheikh Lô considera que su música es un cóctel de sabores africanos (rumba africana, sonidos mandingas y sobre todo mbalax), a los que añade sabrosas especias latinas, arreglos jazzies y ritmos funk.

Instalado en París en 1984, donde trabaja como baterista de estudio, regresa unos años más tarde a Senegal donde graba sus primeras cintas, que llamaron la atención de Youssou N´Dour quien produjo su debut con Ne La Thiass (1996), disco que le abrió las puertas a una carrera internacional.

Las influencias acumuladas alrededor del mundo, asociadas a su fuerte personalidad, darán lugar a otros tres álbumnes más, siendo Jamm (2010) su último trabajo. Editado por World Circuit y producido por el propio Cheikh Lô y Nick Gold, está conformado por diez temas que fueron grabados en sesiones en el estudio del bajista Thierno Sarr. El producto final es un magnífico disco que incluye colaboraciones de tres grandes como Tony Allen (batería de Fela Kuti, gran multiinstrumentista y cantautor nigeriano), Pee Wee Ellis (saxofonista de James Brown), y el violinista cubano Omar Puente, que mantiene el concepto original de la diversidad, entrecruzando estilos y lenguas (wolof, dioula, bambara, castellano y francés) con un fuerte toque acústico e intimista pero sin perder su groove. Una trabajo estupendo que deja un gran espacio a los temas espirituales y sociales (según la tradición musulmana sufi de la que Cheickh Lô es un fiel practicante), ideal para dar a conocer la música, los ritmos y la poesía de Africa del Oeste.

01. Conia

02. Jamm

03. Il N'est Jamais Trop Tard

04. Warico

05. Sankara

06. Seyni

07. Dieuf Dieul

08. Bourama

09. The Parti Pas

10. Folly Cagni

 
Cuando Tal National alcanzó la aclamación internacional con el 'Kaani' de 2013, el primer lanzamiento de la banda fuera de Níger, pasaron más de una década atravesando su país natal, generalmente en caminos de tierra a través del Sahara, tocando sets épicos de cinco horas, siete días a la semana, vendiendo sus CD en las esquinas y rotondas. En el proceso, se convirtieron en la banda más popular de Níger, con canciones constantemente criticadas en la televisión nacional y teléfonos celulares en todas partes. Tras el lanzamiento de 'Kaani' de FatCat, el público y los críticos occidentales rápidamente adoptaron el sonido singular y finamente afinado de la banda. NPR fue golpeado por "la rigidez de la banda y la energía ardiente"; The Guardian elogió "su enfoque de inclinación total e intensidad hipnótica"; mientras que Songlines escribió sobre "un sonido rico e híbrido que se basa en elementos familiares del oeste de África para crear algo gratificantemente fresco y diferente". FatCat lanzó la deslumbrante continuación, 'Zoy Zoy', el 13 de abril de 2015, una vez más con gran aclamación crítica, con gritos de Pitchfork, Uncut, Afropop Worldwide, FADER, The Quietus y una portada en fRoots. Con cada amontonamiento de elogios, todos parecían hacer eco de la evaluación de NPR de que "¡No hay forma de que no bailes con este!".

Preparándose para su tercer álbum para FatCat, Tal National rememora un período fértil en el que perfeccionó su sonido y recorrió los EE. UU. Varias veces, dejando al público sudado y aturdido una y otra vez. Han establecido sets increíbles en WOMAD y Roskilde, trayendo la misma intensidad y júbilo al festival como lo harían con un club abarrotado, convirtiendo al wallflower más acérrimo en un bailarín por la noche. En su esencia, esa es la intención de Tal National, hacer bailar a la gente. Con el nuevo álbum 'Tantabara' (con vencimiento en febrero de 2018) la banda continúa su búsqueda en curso para traducir esa energía a cinta, embotellando la fiesta para uso personal.

Níger tiene fronteras con Nigeria, Malí y Ghana. Dentro de esta antigua colonia francesa se encuentran poblaciones Songhai, Fulani, Hausa y Tuareg, todas ellas representadas en la membresía de Tal National. Como tal, la nación disfruta de una mezcla muy variada de culturas y etnias, todas ricamente impregnadas de música. No es extraño a las músicas highlife, kora y afrobeat, mientras le da al mundo Tuareg Blues y una marca única de hip-hop. En la música de Tal National se escuchan los ritmos ondulantes de 12/8 en la percusión fuji de Hausa, la aridez pensativa de la assouf de Tuareg y la exquisita guitarra griot de Songhai de Mali, todo ello entregado con precisión virtuosa y energía implacable. Después de incluir a 'Kaani' en sus mejores 10 álbumes de 2013, The New York Times escribió que "la música sigue adelante con una sorpresa tras otra: partes de la guitarra que se alinean, divergen y reconfiguran, tocando la batería que rebota en ritmos poco convencionales. Los patrones son nítidos, complejos e incansables ".

Los tres álbumes de FatCat fueron grabados en Niamey, la capital de Níger, por el productor / ingeniero residente en Chicago Jamie Carter, usando una plataforma de grabación remota en un polvoriento estudio improvisado (para 'Kaani', Carter recibió tres serias descargas eléctricas). Uno de los países más pobres del mundo, Níger no tiene estudios de grabación, tiendas de instrumentos de música o tiendas de discos adecuados. El baterista hace sus propios palos. A pesar de esto, o tal vez por eso, Tal National prospera en un país agotado de recursos pero repleto de música y ritmo. Sus canciones son intensas pero sofisticadas, combinando números originales con nuevos arreglos de canciones populares de África Occidental, que tratan temas de amor, tolerancia, paz, belleza femenina y la expresión de la danza física de la mujer basada en los ritmos africanos tradicionales. La banda habla francés, pero usan la expresión estadounidense "muy rock and roll" muy en serio, lo que implica su conciencia de que las guitarras fuertes y la complejidad rítmica desconcertante los separa de sus pares del oeste de África. Un oyente atento podría captar las ideas de producción de una mente occidental nutrida en el indie-rock que Carter no pudo evitar sugerir. Usando como espina dorsal el sonido que respira Tal National: electricidad pura e increíble virtuosidad tejiendo una red de melodía y ritmo, la pulpa del álbum es una respuesta a la creciente estatura de Tal National en casa en Níger y su exposición a audiencias en otras partes de el mundo.

En el escenario, Tal National se presenta con seis músicos, pero debido a su riguroso programa de actuaciones puede incluir hasta trece miembros en cualquier momento. En los espectáculos, los músicos cambian regularmente de lugar a mitad de camino a través de las canciones (incluida la increíble vista de percusionistas intercambiando sin perder el ritmo). Algunas noches la banda puede dividirse para tocar dos conciertos simultáneamente.

1 Tantabara 5:01

2 Belles Reines 5:01

3 Entente 3:12

4 Duniya 4:27

5 Akokas 4:58

6 Pama 6:03

7 Trankil 4:44

8 Aminiata 4:37

Fuente: http://talnational.com/

 Si hay una persona a la que se la pueda considerar virtuosa, esa es Richard Bona. Vocalista, multi-instrumentista y compositor, con un acervo musical impresionante, Bona es uno de los músicos africanos que mejor ha sabido fusionar los sonidos y tradiciones musicales de su África natal, la influencia europea y el mejor jazz americano, generando grandes canciones. Y su virtuosismo procede, precisamente, de su bagaje experiencial: su abuelo era un destacado percusionista y su madre cantante, empezó a cantar con cinco años y en su infancia construía flautas, instrumentos de percusión e, incluso, guitarras; en sus primeros años en Francia estudió música y composición, empapándose de Miles Davis, Chet Baker y Ben Webster, y trabajando con Didier Lockwood (violinista), Marc Ducret (guitarra), Manu Dibango (batería) y Salif Keita. En sus primeros años en Nueva York acompañó a músicos tan diversos como Paul Simon, Chucho Valdés, Harry Connick Jr., Eddie Palmieri, Pat Metheny, Herbie Hancock, Branford Marsalis y Bobby McFerrin, llegando a ser director musical de la banda de Harry Belafonte.

Sus dos primeros trabajos en solitario, Scenes From My Life (1999) y Reverence (2001) son un auténtico resumen de lo que es capaz de hacer este bajista, tocando jazz ambientado en la música africana, con funky y un poco de cumbia latinoamericana. En 2003 publicó su tercer trabajo discográfico, Munia The Tale, que es un disco con creaciones que Bona fue recopilando en su carrera y con un registro que va desde el jazz a la música de raíz, acompañado por una excelente banda interracial. En el año 2004, se unió al antillano Gerald Toto y al congoleño Lokua Kanza para grabar el disco Toto Bona Lokua.

En Tiki ("Tesoro", 2005) tampoco olvida esos acordes e influencias brasileñas que siempre pueblan sus canciones y emplea las armonías vocales que ha heredado de sus antepasados. Es decir, auna su maravillosa técnica con el bajo con una conexión que transita, en viaje de ida y vuelta, a través de Camerún, Brasil, Estados Unidos y Cuba. Junto a las melodías y cadencias de su zona natal afloran ritmos de bossa y cha cha chá, funky, rhythm & blues, arreglos de jazz y una instrumentación meticulosa, con espacios para el lucimiento individual de los invitados.

Se ha dicho de él: "Si Jaco Pastorius hubiera nacido en el Camerún, se llamaría Richard Bona".

Tracks list:

01. Tiki

02. Dipama

03. Kivu

04. O Beta O Siba

05. Esoka Bulu (Night Whisper)

06. O Sen Sen Sen

07. Manyaka O Brazil

08. Three Women

09. Ba Senge

10. Ida Bato (Ancient Song 1789)

11. Akwa Samba Yaya

12. Calçabão de Copacabana

13. Samaouma

14. Nu Sango

 
Nacida en un barrio criollo de Lisboa, Lura se dedica a los ritmos de Cabo Verde, pero también al pop portugués, el jazz y la música africana en general. Considerada como una de sus mejores exponentes, Eclipse es su quinta producción musical, catorce piezas que nos muestran los ritmos musicales tradicionales de Cabo Verde.

Lura (Maria de Lurdes Pina Assunção) comenzó su carrera musical en 1996, a los 21 años, cuando grabó su primer álbum con el título Nha Vida. En 2002, Lusáfrica produce su segundo álbum, In Love, con temas rhythm & blues, zouk y canciones de Tcheka (uno de los renovadores del batuque caboverdiano) que ofrecen la pausada esencia de la música de Cabo Verde. En noviembre de 2003 fue una de las tres cantantes seleccionadas para el proyecto "Women of Cape Verde", una serie de conciertos realizados en el Reino Unido, lo que contribuyó al lanzamiento de sus álbumes en diversos países europeos. En 2004 graba Di Korpu Ku Alma, donde combina morna, fado portugués y coladeira, más optimista y con sabor brasileño.

Eclipse (2009) es su mejor álbum hasta la fecha. Grabado entre Bruxelas, Lisboa, París, Praia y Nápoles, esta quinta obra confirma el talento seguro y la elegancia natural de una cantante que no deja de sorprender. Los temas han sido compuestos por el gran Mário Lúcio, Toy Vieira, B. Leza (histórico compositor caboverdiano) y Orlando Pantera (compositor que modernizó los ritmos más africanos de Cabo Verde antes de su temprana desaparición en 2001).

La artista interpreta batuque, mornas (como "Eclipse", en honor a su mentora, Cesária Évora), e incluye funanás como "Libramor", "Um dia" y "Terra´L", una mirada amorosa al alma de la diversidad musical de su país de origen, llena de entusiasmo, energía e ingenio.

Página web oficial: Lura

tracks list:

01. Libramor

02. Um Dia

03. Tabanka

04. Eclipse

05. Marinhêro

06. Maria

07. Terra'L

08. Quebród Nem Djosa

09. Na Nha Rubera

10. Orfelino

11. Sukundida

12. Mascadjôn

13. Queima Roupa

Bonus Track - Canta Um Tango

Página web oficial: Lura

Cesária Évora, la reina de la morna y "la diva de los pies descalzos", presenta en 2006 Rogamar, su décimo tercer álbum. El título de "Rogamar" procede de la mezcla de rogar y mar. Los temas están cantados en criollo portugués. Vuelve a confiar las canciones al talento de los mejores compositores, tanto de renombre como jóvenes talentos, vinculados al ritmo de saudade, originarios de París, Cabo Verde y Brasil (Teófilo Chantré, Manuel de Novas, Constantino Cardoso y Jon Luz).

Acompaña a la artista Fernando Andrade, su pianista habitual desde 1999. Además, seis de los quince temas del álbum cuentan con la colaboración del brasileño Jaques Morelenbaum, violonchelista y arreglista que colaboró con Jobim, Milton Nascimento o Caetano Veloso. Tanto las composiciones como las guitarras, violines y percusión, con ritmos y sonidos autóctonos, confieren una melancolía especial, plagada de ánimo y optimismo tropical, a todo el disco.

01. Sombras Di Distino

02. Um Pincelada (en duo avec Chambao)

03. Avenida Marginal

04. Africa Nossa (en duo avec Ismaël Lô)

05. Tiche

06. São Tomé Na Equador

07. Rogamar

08. Amor E Mar

09. Modje Trofel

10. Rosie

11. Travessa De Peixeira

12. Mas Um Sonho

13. Mar Nha Confidente

14. Saiona D'Vinte Ano

15. Vaga Lenta 

Woman of Steel es el cuarto álbum de estudio de la cantante nigeriana Yemi Alade .Descrito por Alade como un "buffet con diferentes tipos de comidas y bebidas", el álbum representa un cambio temático y personal en su sonido. Musicalmente, es un disco de Afrobeats que incorpora elementos de R&B y highlife . Woman of Steel presenta colaboraciones con Rick Ross , Duncan Mighty , Angélique Kidjo y Funke Akindele . Fue apoyado por los singles lanzados previamente "Home" y "Give Dem".Aunque la recepción crítica de Woman of Steel fue mixta, el álbum fue considerado como el mejor álbum de Alade hasta el momento

1 Night And Day 3:22

2 Home 3:44

3 Shake 3:14

4 Give Dem 3:33

5 Vibe 3:12

6 Yeba 3:25

7 Remind You 3:01

8 Nobody 3:27

9 Shekere 3:06

10 Poverty 4:03

11 Lai Lai 3:30

12 Somto 3:33

13 CIA (Criminal In Agbada) 4:05

14 Poverty (Swahili Version) 4:03

15 Oh My Gosh (Remix) 3:19 

This Is Kologo Power!

Various Artists

MR 16 LP 2016

Atamina - Ghana Problem (Mind Your Own)

In 2014 I played on the launching of King Ayisoba's V-CD "Kologo Spirit" at the cultural center in Kumasi, Ghana. The event started at three o'clock in the afternoon with a local children circus, then DJs and then a drumming group from the North East Region of Ghana, the region where kologo music is from. Around six the first kologo player entered the stage and the open-air theatre was filled with about two-and-a-half thousand people, mostly Frafra (the popular name for people from the North East Region and the name of their language). Many kologo players followed that night, which went on until three in the morning. I must have seen about twenty for sure. But backstage there were more guys who didn't even make it to the stage but were playing anyway, backstage, outside and around the scene. Ayuune Sule, Sambo, Stevo, Guy One and of course King Ayisoba played, the audience was amazing, lots of people entered the stage throwing money at the musicians, others came to dance, the night was seriously on fire. It was one of the most amazing musical events I have ever attended.

Ayuune Sule and King Ayisoba told me later there are more than eighty-five kologo players already in and around Bolgatanga, the capital of the North East Region. And two years later I was going to see more. In January 2016 King Ayisoba invited me to Ghana again to join in on his "Batakari Festival" ("batakari" is the name of the traditional cloth many of the kologo players wear). One night in Accra and one night in Bolgatanga and I sure did hear and see many more kologo players and not only on those festival nights. Also in the pito-bars ("pito" is a traditional drink based on fermented millet), cafes, FM stations, houses and studios and at a traditional funeral in Bongo (a village near Bolgatanga) I saw lots of amazing kologo players.

The idea of making a compilation had been discussed on our European tours already a few times. In the van we listen almost solely to kologo music and there is no lack of great tracks. So together we started picking out the tracks we really liked. There was one dogma: "no computer beats". King Aysioba wants to show what is the real kologo power and that is made by, as he calls it: "man power".

Most of the tracks are recorded in studios in Ghana. Some are sung in Frafra, others in pidgin English. Some are with a live band and some are just solo kologo and voice. But all songs represent a force and unveil a very strong musical power. The connection between kologo music and (delta) blues has been made more than once and that resemblance is not written on ice; the personal and the social messages, the strong rhythms, the push that this instrument - with only two strings spanned over a goatskin on a calabash - can give to people to make sure they do not ignore the dance floor, all that makes it worth the work and effort of making at least one kologo compilation.

So in January 2016, when meeting all the kologo players, I had the chance to take pictures and do interviews with everybody. Which you find on the insert. And you should know this is just a tip of the syncopating savannah iceberg, but it's a good start I think.

Arnold de Boer, Amsterdam, March 2016.

 tracklist

01 King Ayisoba - Africa

02 Ayuune Sule - Who Knows Tomorrow

03 Agongo - I Am Suffering

04 Prince Buju - Afashee

05 Atimbila - I Have Something To Say

06 Atamina - Ghana Problem (Mind Your Own)

07 Amoru - Yaaba

08 Barnasko - Nsoh Yaaba

09 Asaa Naho - Home Witches

10 King Ayisoba – Nerba

Sí, otra vez Strut es el responsable del retorno de algún grande de la historia musical africana. En este caso le toca el turno a la legendaria Orquesta Poly-Rythmo, también conocida como TP Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, que, después de veinte años sin publicar álbum, ha visto como, en los albores de la pasada primavera, salía a la venta su último y novedoso proyecto de- nominado Cotonou Club. Completamente producido en Paris con equipos analógicos incluídos, el nuevo álbum de esta formación repasa, en clave de afrobeat, afro-funk, jazz y elementos folklóricos de Benin, un repertorio basado en una mezcla entre algunos de sus clásicos como “Gbeti Madjro” y algo de material nuevo que siempre se agradece. Además, y como aliciente, a los cinco miembros originales que todavía la integran hay que sumar interesantes apariciones de artistas contemporáneos como la siempre eficiente Angélique Kidjo, la emergente gran vocalista maliense Fatoumata Diawara y hasta gente procedente de la música popular como la aparición de dos miembros de Franz Ferdinand en el último tema del trabajo, “Lion Is Burning”.

01 - Ne Te F che Pas

02 - Pardon

03 - Von Vo Nono

04 - Koumi De de

05 - Gbeti Madjro

06 - Oc

07 - Tegb 

08 - C'est Lui Ou C'est Moi

09 - Holonon

10 - Ma Vie

11 - Lion Is Burning

La presente edición de Putumayo es una estupenda oportunidad para introducirse en la riqueza musical que nos aporta Malí. Malí ha sido, de siempre, un sitio de encuentro intercultural entre árabes y bereberes del norte y gente de la África Occidental del Sur. Es por ello que posee una vida cultural rica y variada. Su música tiene raíces en antiguas tradiciones como la del griot, trovador cuyo oficio se transmite de generación en generación y cuyas canciones épicas y de alabanzas generalmente datan de cientos de años atrás. Cada región y cada tribu de Malí tiene su propio estilo y expresión musical en constante evolución, incluyendo el blues del desierto de los nómadas tuaregs; los frenéticos ritmos y voces de la música wassoulou del sur, y los conmovedores compases de la música de los bamabara. Instrumentos tradicionales como la kora (arpa africana), el n´goni (similar a una guitarra), el balafón (xilofón hecho de madera y calabaza) y el tamana (tambor parlante) se combinan con sonidos de guitarras, teclados y baterías en la música maliense. Por su parte, la música afro-cubana, el blues, el hip-hop y el rock también han hecho su particular aporte a la música de Malí.

El resultado es una música con un aura irresistible y distintiva, con reminiscencias del blues que le hace poseer un sonido familiar que atrae a toda clase de públicos.

tracks list:

01. Moussa Diallo • Maninda

02. Habib Koité & Bamada • Kanawa

03. Idrissa Soumaoro • Ouili Ka Bo

04. Tinariwen • Amassakoul 'N' Ténéré

05. Ramatou Diakité • Gembi

06. Kélétigui Diabaté • Koulandian

07. Tom Diakité • Fala

08. Boubacar Traoré • Kanou

09. Issa Bagayogo • Bana

10. Mamou Sidibé • Bassa Kele

11. Habib Koité & Bamada • Saramaya (Live)

BBE Música desentierra ‘palabrería’, un largo tiempo perdido, inédito álbum de 1980 de Ghana guitarrista y compositor Ebo Taylor.

Si Fela Kuti era el rey de Nigeria Afrobeat, a continuación, Ebo Taylor, de 83 años y todavía jugando duro, es el rey de Ghana Funky-Highlife. No hay duda alguna. Gran parte de hermosas 70 y 80 de salida de Ebo ha sido reeditado, a medida que más y más amantes de la música afro se están convirtiendo a su sonido único africano pan-Oeste.

En 1980, mientras que en un viaje del club de Nigeria con su banda de gira regular, Ebo chocó contra el jefe de Tabansi Tabansi Records. Estuvieron de acuerdo en que Taylor sería grabar una sesión de un álbum para ser lanzado exclusivamente en Tabansi. A los pocos días de la firma del acuerdo, la sesión terminó, las cintas firmados, y Ebo y su banda continuó su camino para completar su gira de Nigeria.

Pero por razones que nadie (incluyendo Ebo) ahora puede recordar totalmente, las cintas maestras consiguieron archivados en un cuarto trasero de polvo en la sede de Onitsha Tabansi. Donde permanecieron, sin ser molestado, inédito, sin jugar, durante casi cuarenta años.

El año pasado, Peter Adarkwah de BBE Música firmado en un importante acuerdo de reedición de varios discos con etiquetas Tabansi y sus afiliados. ‘¿Qué pasa con el material no emitido, si encontramos alguna?’ Joe Tabansi, Jefe de hijo y actual administrador de la etiqueta, preguntó casualmente.

Sí, contestó Pedro-, pero qué material no emitido?

Sobre la cual, Joe produce estos maestros. Las cintas se corrieron a la temible remasterización de vinilo asador y planta de prensado en el este de Londres, y todo ello a BBE pronto se dieron cuenta de que tenían una obra maestra en sus manos. Todos los nuevos materiales, composiciones propias de toda Ebo, todos grabados con gira crème-de-la-crème de Ebo y los jugadores de grabación, incluyendo a George Amissah. Mat Hammond, George Kennedy y George Abunuah entre otros.

Aquí está, por primera vez, en cualquier lugar. Perdido Sesiones Nigeria de Ebo Taylor.

1.Palaver 06:12

2.Make You No Mind 03:53

3.Ab Ebrese 05:29

4.Help Africa 06:17

5.Nyame Dadaw 06:55

 
Cesária Évora (Mindelo, São Vicente, Cabo Verde, 27 de agosto de 1941 – ibídem, 17 de diciembre de 2011) fue una cantante caboverdiana conocida con el sobrenombre de «la reina de la morna». También era conocida como «la diva de los pies descalzos», debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con los sin techo y las mujeres y niños pobres de su país.

Cise, como era conocida por sus amigos, comenzó a cantar y a hacer actuaciones los domingos en la plaza principal de su ciudad, acompañada por su hermano Lela, al saxofón. Mas su vida está intrínsecamente ligada al barrio de Lombo, en las inmediaciones del cuartel del ejército portugués, donde cantó con compositores como Gregório Gonçalves. A los 16 años, Cesária comenzó a cantar en bares y hoteles y, con la ayuda de algunos músicos locales, ganó mayor notoriedad en Cabo Verde, y fue proclamada la "Reina de la Morna".

Animada por Bana (cantante y empresario caboverdiano radicado en Portugal), Cesária Évora volvió a cantar, y se presentó en Portugal. En Cabo Verde, un francés llamado José da Silva la persuadió de ir a París, y allí acabó por grabar un nuevo álbum en 1988, La diva aux pied nus ("La diva de los pies descalzos") - que es como se presenta en los palcos. Este álbum fue aclamado por la crítica, y la impulsó para iniciar la grabación del álbum Miss Perfumado en 1992. Desde entonces fijó su residencia en la capital francesa. Cesária se volvió una estrella internacional a los 47 años de edad.

El blues caboverdiano de Cesária Évora en general habla de la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclavos, así como de la emigración, ya que se dice que el número de caboverdianos que viven en el exterior es mayor que la población total del país.

La voz afinada de Cesária Évora, acompañada de instrumentos que dan un toque melancólico, resalta lo emocional en su música, y los oyentes que no entienden su lengua consiguen percibir las emociones en sus canciones.

Participó en 1995 en la pista sonora que Goran Bregovic compuso para la película Underground, de Emir Kusturica.

En 2004 ganó el premio Grammy al Mejor álbum contemporáneo de world music por Voz d'amor.

En 2007 el presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor.

Después de diversas complicaciones de salud, incluida una operación a corazón abierto en el 2010, la cantante anunció su retirada de la música, y canceló los conciertos que tenía previstos el 23 de septiembre del 2011.

Cesária Évora murió el sábado 17 de diciembre de 2011, a los 70 años, en el Hospital Baptista de Sousa, en Mindelo, donde se encontraba internada con un cuadro de insuficiencia respiratoria y edema pulmonar. Unas horas antes de su muerte seguía fumando y atendiendo a las personas que querían saludarla en su domicilio particular.  

Temas:

01. Isolada

02. Velocidade

03. Amdjer de nos terra

04. Beijo roubado

05. Djarmai di meu

06. Monte Cara

07. Ramboia

08. Jardim prometido

09. Nha coração tchora

10. Saia travada

11. Pomba

12. Mar de canal

13. Milca ti Lidia

14. Voz d'amor