Café Cubano, de la colección Cafés de Putumayo, es una seductora colección de canciones que nos transporta a los encantadores cafés de esta isla caribeña de inmensa riqueza musical. Este álbum presenta una selección de intérpretes excepcionales que incorporaron a su música la diversidad de tradiciones musicales y estilos que caracterizan a la música cubana, que tiene sus raices en años de interacción entre culturas europeas y africanas.

Varias de estas canciones contienen influencias del movimiento de la "nueva trova", donde la poesía de las letras se combina con tradiciones musicales folclóricas panamericanas. Otras se mantienen fieles a las sensuales guajiras, los románticos boleros y los sones tradicionales que fueron el sustento de las famosas grabaciones del Buena Vista Social Club. En definitiva, una selección para deleitarse.

tracks list:

01. José Conde y Ola Fresca • El Chacal

02. Ignacio "Mazacote" Carrillo • Lágrimas Negras

03. Pedro Luis Ferrer feat. Lena Ferrer • Ay, Mi Vidita

04. René Ferrer • Como A Cada Mañana

05. La Orquesta Mágica De La Habana • Morenita

06. Germán Obregón • Pincel Campesino

07. Armando Garzón • Escándalo

08. Asere • Corazón

09. Félix Baloy • Después de esta Noche

10. Kelvis Ochoa • Fué Una de Mambo

This is Igbo and Hausa Afrobeat- two very different and rarely heard styles. For the first time anywhere, BBE is proud to reissue back to back two LPs that are so elusive that many Afro heads doubted their very existence until now.

The beats are laid down by the seven legendary Martins Brothers – of ‘Money’ fame- whilst vocals are courtesy of a multi-lingual Igbo legend, Prof. Goddy Ezike, one of the most extraordinary voices out of Africa, up there with Youssou N’Dour and Salif Keita, whose half- century career has, like fine wine, simply improved his voice.

Wakar Alhazai Kano and Lokoci Azumi Ta Wuca (tracks 1 and 2) draw on Northern Hausa music, with its Islamic inflections and skipping 12/8 time signatures more typical of the string and wind-based instrumentation of Kano and the broader sub-Saharan musical palette.

Kama Sofos and Aka Ji Ego Ga Anu Nwam (tracks 3 and 4) are sung in Igbo, with all the percussive wonders that Igbo culture has to offer, filtered through a jazzy Afrobeat improvisational spectrum. Never before. Never again. New Afrobeats, in old bottles.  

1- Wakar Alhazai 00:17:45

2- Lokoel Azumi Ta Wuce 00:16:46

3- Kama Sofoa 00:12:18

4- Aka Ji Ego Ga Anu Nwam 00:14:02

"Yo no sigo a la multitud, yo sigo la ruta de mis ancestros. Me quitaré el velo, estudiaré, votaré, existiré, quieras o no". De esta manera visibiliza Iness Mezel a las mujeres oprimidas, con un ritmo trepidante, en el que es su tercer disco Beyond The Trance. La voz de una mujer despierta, consciente de su lugar en el mundo, que canta en francés y en tamazigh (la lengua de sus ancestros bereberes) con una voz potente, y que maneja a la perfección los códigos rítmicos del norte de África y las sonoridades urbanas de la Europa multicultural en la que vive.

Fatiha Messaoudi (alias Iness Mezel) compone un disco repleto de letras reivindicativas que, junto con la producción y guitarras de Justin Adams (productor de Kiran Ahluwalia, Natacha Atlas y Tinariwen) en los Real World Studios, y la voz y la fuerza vital de Mezel, marcan un disco trepidante, repleto de una vibración contagiosa y un ritmo colosal.

Música del nuevo milenio con unas coordenadas geográficas marcadas por la Kabilia argelina de su procedencia y el cosmopolitismo del París en el que reside. El poder de las músicas del mundo cuando encuentran su verdadero camino de exploración sin perder de vista la tradición de donde proceden.

Tracks list:

01. Amazone

02. Cheikh Mo-Hand

03. Semer

04. Strange Blues

05. Tahkei't

06. Respect

07. Cool Yiwen

08. Ata Wouliss

09. Chez Noo

10. Trance

11. Thimlilit

"Finis Africæ (o Finis Africae)". Palabras impregnadas de misterio y mito, de Europa mirando hacia nuevas tierras, nuevos mundos, nuevos tiempos.

Y así es con "A Last Discovery", el trabajo del español Juan Alberto Arteche Guel y sus co-aventureros musicales Javier Bergia y Luis Delgado, grabado entre 1984 y 2001. Después de quince años de éxito musical en España con su banda Nuestro Pequeño Mundo, Arteche estaba listo para experimentar con nuevas ideas, y con la compra de un grabador de cassete de cuatro pistas lo hizo, explorando mundos musicales mundiales imaginarios con un núcleo de exploradores de ideas afines.

El nombre del grupo, apodado "Finis Africæ" por JAA fué después de leer "El nombre de la rosa" de Umberto Eco, donde el término se refiere a libros prohibidos y conocimiento oculto, lanzó siete grabaciones durante un período de dieciocho años, de las cuales las mejores se compilan aquí.

Finis Africae fue parte de la "nueva ola" de la música española que surgió gradualmente después del final del régimen franquista.

Utilizando instrumentos eléctricos modernos e instrumentos acústicos tradicionales de muchas culturas mezclados a través de la alquimia de estudio, una magia que se hizo aún más fuerte con la adquisición de un grabador de dieciséis pistas después de su segundo lanzamiento, Finis Africæ creó un multiverso musical abierto al exterior, una amalgama inclasificable que abarca elementos de las tradiciones populares de todo el mundo, hábil y amorosamente conformado en un todo pan-global inclusivo. Profundamente influenciado por la música africana, el grupo reverberante, El funk mínimo orgánico atraerá tanto a los DJ como a todos los que anhelen la calidez amorosa que brinda el abrazo de las posibilidades globales.

Este es el primer lanzamiento de Finis Africae fuera de su España natal editado por el sello Japones EM Records..... Ven a un viaje retrospectivo de descubrimiento. Nuevos mundos te esperan.

1) Radio Tarifa [tarifa Radio]

2) Zoo Zulu [zulu Zoo]

3) Triciclos En La Chopera [la Chopera Tricycles]

4) Pirulo, Cambia Cromos [pirulo Exchange Trading Cards]

5) Segundos, Segundos, Segundos [seconds Seconds Seconds]

6) Luna [moon]

7) Los Pobres Del Mundo Tocan El Bombo [poor People Of The World Play The Bass Drum]

8) El Abrazo De La Selva [the Jungle Hug]

9) Los Colores De Mis Botas [the Colors Of My Boots]

10) Juana Y Rosalia [juana And Rosalia]

11) Hybla [hybla]

12) Suite Amazonica [amazonian Suite]

13) Danca Do Corpo [dance Of Body]

14) Remontando El Purus [going Up The Purus River]

15) Hassell, El Oso Hormiguero [hassell The Anteater]

16)  El Baile de Sara [Sara's Dance]  

17) Masai Mara [mara Masai]

18) Bahia De Los Genoveses [the Bay Of Genoa] 

Chiwoniso Maraire, la cantante rebelde de Zimbawe, nos dejó el 24 de julio de 2013. Tenía 37 años. Maestra de la mbira, piano tradicional africano, no rehuyó en ningún momento el compromiso político frente a la tiranía de Robert Mugabe.

Decía que ella era como un espejo porque cantaba esencialmente sobre lo que veía que pasaba en el mundo. Su voz se parecía mucho a la de Angelique Kidjo, compartiendo con ella esa querencia por los metales, la polirritmia y esas figuras rítmicas de guitarra eléctrica tan propias del cono sur africano. Y en éste (y en muchos otros sentidos) el álbum es de una belleza intachable.

Se acompañaba con la mbira, el piano de pulgar también llamado sanza o kalimba, antiguo instrumento africano, tradicionalmente tocado por hombres, que consiste en una caja de madera sobre la cual están fijadas unas láminas metálicas que se pulsan con los pulgares. La tocaba en público desde los cuatro años. A los nueve ya había grabado un disco en compañía de sus progenitores y con once actuaba junto a su padre y sus hermanos.

En 1990, la familia de Chiwoniso regresa a Zimbabwe, comenzando a sonar su nombre como cantante del grupo de hip hop A Peace of Ebony. Ancient Voices, su primer disco en solitario, grabado en 1997, le valió el premio de Radio France Internationale al mejor artista novel. Entre 2001 y 2007 colaboró en un gran número de trabajos e interpretaciones junto con artistas y organizaciones a nivel internacional.

En 2005 el pianista y productor Keith Farquharson (que ya le produjo su primer disco) le propone grabar un nuevo álbum, al que Chiwoniso le dedica tres años: Rebel Woman. Grabado en Zimbabwe, Sudáfrica, Inglaterra y Vermont, el álbum cuenta con la participación de muchos de los músicos más respetados y admirados del sur de África. Louis Mhlanga (que ha grabado con Hugh Masekela) proporciona al álbum esos sabrosos toques de guitarra sudafricanos tan característicos. Sam Mataure (veterano de la banda de Oliver Mtukudzi) aporta sólidos ritmos rock, y Steve Dyer guía la sección de vientos.

El resultado es una colección de brillantes canciones que se pasean con soltura entre el soul y el afropop tomando como punto de partida el fascinante sonido de la mbira.

El álbum se abre con los riffs de guitarra eléctrica de "Vanorapa", una canción sobre el poder curativo de los ancianos (Chiwoniso cree firmemente en el poder de la espiritualidad tradicional shona y la capacidad de los ancianos para curar a la gente, incluso después de que han muerto y entrado en el reino de los espíritus), inspirada en un tema que su padre solía tocar con Mananzi III. En "Matsotsi" (La Tierra de los ladrones) canta las luchas económicas de la clase obrera. "Gomo" es un alegre tributo a las regiones de montaña de donde es originaria su familia.

En "Only One World", expresa su devoción por sus hijas y lo importante que es para las familias que tomen decisiones que tengan en cuenta a las generaciones futuras (Chiwoniso ha sido durante mucho tiempo una gran defensora de los derechos de la infancia, estando involucrada en la organización Mustle Africa que ayuda a la alfabetización de niñas y niños sin recursos). "Irobukairo" evoca la "chimurenga" del gran Thomas Mapfumo, uno de los grandes iconos de la música de Zimbabwe, apelando al cuidado de las relaciones de parejas y del hogar.

Y la pista que da título al álbum, "Rebel Woman", es un homenaje a las mujeres fuertes que sufren porque no siguen las restricciones que la sociedad trata de implantarles, "ésta es una canción sobre el cambio de esas normas". La canción sirve como un epílogo a un álbum magistral en el que Chiwoniso se pronuncia sobre el papel que las y los artistas tienen a nivel social: la responsabilidad de denunciar las injusticias sin temor a las amenazas del poder ni a la represión policial. "No importa. Tenemos esa responsabilidad".

Tracks list

01. Vanorapa

02. Matsotsi

03. Gomo

04. Nguva Ye Kufara

05. Kurima

06. Listen to the Breeze

07. Wakashinga

08. Irobukairo

09. Pamuromo

10. Nerudo

11. Only One World

12. Rebel Woman

Página web: Cumbancha

Thomas Mapfumo, nacido en la Zimbabwe rural (entonces Rhodesia), es conocido como "the lion of Zimbabwe". Es el responsable de mezclar la Shona (lengua oficial del país) y los sonidos tradicionales de la mbira con guitarras e instrumentos occidentales y un mensaje político lleno de insinuaciones y proverbios tradicionales, estableciendo el estilo musical "chimurenga", que significa en Shona "la música de la lucha".

En 1978, después de la liberación de Zimbabwe, Mapfumo formó Blacks Unlimited y grabó Gwindingwe Rine Shumba, una jubilosa celebración de la independencia de su país, lo que le dio a conocer a nivel internacional. Su música está basada en ritmos cíclicos y melodias de la mbira, consiguiendo un sonido hipnótico casi parecido al trance.

El trabajo que aquí se presenta es una recopilación de sus éxitos entre 1978 y 1993.

tracks list:

01. Serevende (Without End)

02. Mhondoro (Ancestral Lion)

03. Vanhu Vatema (Africans Unite)

04. Nyoka Musango (Enemy in the Jungle)

05. Zvandiviringa (I Am In Trouble)

06. Hanzvadzi (Sister)

07. Hwahwa (Beer)

08. Nyarara Mukadzi Wangu (Don't Worry, My Wife)

09. Zvenyika (Politics)

10. Hondo (War)

11. Ndavekuenda (I Am Leaving)

12. Shumba (Lion)

The Ten Shades Of Blues (2009) es el último trabajo del extraordinario bajista Richard Bona. Tomando al blues como motivo central, Bona se lanza a la búsqueda de las múltiples formas que éste puede adquirir, atravesando géneros y culturas alrededor del mundo.

De norte a sur, de este a oeste, se cruzan lo moderno con lo tradicional. "Shiva Mantra", que lleva al blues a las profundidades de la India de la mano de un selecto conjunto de músicos e instrumentos tradicionales de aquel país, liderado por las voces de Shankar Mahadevan, Nadini Srikar, Vivek Rajgopalan; la tabla de Satyajit Talwalkar y el sitar de Niladiri Kumar, es una verdadera joya que da inicio a un viaje en donde el término "world music" calza a la perfección. Con "Good Times", el reconocido vocalista Frank McComb aportar toda su capacidad para cantar soul, llevando el blues a ese terreno más conocido como es el sonido urbano norteamericano.

Con la trilogía "Mbemba Mama", "Kurumalete" y "Souleymane" Bona regresa a su África natal, rememorando sus orígenes y el dialecto douala materno. La música country también tiene su momento con "African Cowboy", y "Esukudu" y "Sona Moyo" retoman lo más puro de los ritmos y cantos del África Occidental, mientras que "Yara’s Blues" escarba en las raíces gospel del blues. Y finalmente, el cierre está dedicado a su país natal con "Camer Secrets".

Cadencias de todos los colores y la magistral ejecución de su bajo eléctrico. Para no perder la autenticidad de cada momento y lugar, los temas fueron grabados en India (Mumbai) y Estados Unidos (Nueva York), cubriendo así el amplio espectro geocultural que ha alcanzado este músico global. The Ten Shades of Blues es un perfecto ensamblaje de culturas e influencias, un excelente trabajo que merece todo nuestro reconocimiento.

Tracks list:

01. Take One

02. Shiva Mantra

03. Good Times

04. Mbemba Mama

05. Kurumalete

06. Souleymane

07. African Cowboy

08. Esukudu

09. Yara's Blues

10. Sona Moyo

11. Camer Secrets

Página web oficial: Richard Bona

Otis Taylor tiene un don para los títulos interesantes; Blue-Eyed Monster y When Negroes Walked the Earth son algunos de los CDs que el músico de Denver ha registrado antes de White African. Taylor también tiene la habilidad para grabar temas muy oscuros y serios esta versión de 2001, está lleno de ellos. En White African, Taylor cuestióna los linchamientos en el Sur Profundo ("Santa Marta Blues") para las personas sin hogar ("Hungry People") por no poder pagar la atención médica de un niño enfermo, ("3 Days and 3 Nights" ). Taylor no trata de disimular sus inquietantes letras con melodías felices. Muy influenciado por John Lee Hooker, el alma de Taylor es muy a menudo temperamental, oscura, inquietantes surcos. White African es tan oscuro musicalmente como líricamente. Con los años, el humor negro ha jugado un papel importante en el blues, los artistas de hip-hop y blues son conocidos por la búsqueda de una variedad de formas de humor inteligente para decir lo cruel de la vida para los negros en Usa. ~ Alex Henderson

Personal: 

Otis Taylor (vocals, acoustic guitar, banjo, electric banjo, mandolin, harmonica);

Eddie Turner (guitar, slide guitar);

Kenny Passarelli (keyboards);

Cassie Taylor (background vocals).

1. My Soul's In Louisiana

2. Resurrection Blues

3. Momma Don't You Do It

4. 3 Days And 3 Nights

5. Round And Round

6. Stick On You

7. Rain So Hard

8. Lost My Horse

9. Saint Martha Blues

10. Ain't No Cowgirl

11. Hungry People

Trasfondo de música de Malí, ecos de blues, ritmos caribeños y armonías renacentistas europeas, Diario Malí es el resultado de la unión entre Ludovico Einaudi y Ballaké Sissoko, el diálogo entre dos virtuosos de diferentes mundos que se encuentran en el desierto y se regalan los sonidos de sus instrumentos (piano y kora).

Pocos compositores abarcan tanta definición de estilos musicales como Ludovico Einaudi. Su música frecuentemente se describe como minimalista, clásica contemporánea, impresionista, new-age, ambiente, espiritual, vanguardismo, world music, introspectiva... Einaudi empezó su carrera musical componiendo música de cámara, para bandas y coreografías para teatro y danza, que inmediatamente alcanzó un gran éxito, siendo interpretada en los más famosos escenarios internacionales como el Teatro de La Scala, Maggio Musicale Fiorentino, Tanglewood Music Festival, Centro UCLA para las artes, el IRCAM de Paris, el Festival de Cine de Budapest, etc. Poco después comenzó a componer música para películas, campo en la que ha desarrollado una intensa y exitosa actividad con 12 bandas sonoras y cuatro premios a la Mejor Banda Sonora concedidos en Italia y en el extranjero.

Por su parte, Ballaké Sissoko, uno de los mejores intérpretes de kora de todos los tiempos, que ya grabó con su maestro Toumani Diabaté New Ancient Strings (un álbum llamado a convertirse en clásico de la kora), nos muestra su acierto para experimentar con este instrumento (transmisor de la cultura de los pueblos del África occidental) en trabajos posteriores tan excepcionales como con el fabuloso 3ma (con Rajery y Driss el Maloumi) y Chamber Music (con el chelista francés Vincent Ségal).

En Diario Malí, grabado en el Teatro Petrella (Longiano), encontramos kora y piano, piano y kora, interrelacionados, formando una melodía donde todo es cálido y sensual, donde las sensaciones nos conducen a los grandes desiertos y la sabana africana. Calma nostálgica y desértica con una enorme sonrisa iluminada que trasluce más allá del tiempo. Un disco intimista y excepcional.

tracks list:

01. Laissez moi en paix

02. Entre nous

03. Soutoukou

04. Chanson d´amour

05. Chameaux

06. Ma mere

07. A l´ombre

08. Niger blues

09. Mali sajio

10. Dessert dans le desert

Wah Wah 45s are very proud to announce the release of Kalba, the first album from Ghanaian xylophone master Isaac Birituro and Leeds-based producer and singer- songwriter Sonny Johns AKA The Rail Abandon. 
 


The boundary crossing duo were introduced to the world via the first two singles released in early 2019, Yesu Yan Yan and Für Svenja, and the reactions to the project have been overwhelmingly warm.

There are many differences between Isaac and Sonny, but a powerful similarity–– which gives Kalba its element of relatability–– is that desire to hear the usual done unusually and play with the shared influence of the music from afar. Named after the town in North Ghana where Isaac resides, the album is a combination of differences; a magnifying glass over the Venn diagram of our lives, the unfathomable meeting of parallel lines.
 


“It was clear to me that, though he played a traditional instrument in a traditional way, Isaac was influenced by the Western tinged music that filled the streets of Accra – in fact his father, Edmund, introduced him with “He plays the modern way!” Partly dismissive, mostly proud," said Sonny. "And as this Viking sat before him played the guitar, it sounded too much like the stringed instruments of Mali for it to be just a coincidence.” 
 


There are so many stories behind each track on this album, but the common denominators are clearly the importance of community, of preserving and presenting local cultures, the ardent desire to contribute to changing the world around us, and, of course, the love and power of music created from a genuine place. 
 


Isaac and Sonny shared a feeling once the recording was done: “The moment we sat down to listen to the first days recordings, we both could hear far more than had been picked up by those microphones.” The album was recorded in St Mary's Church, and the energy of the place seems to have been perfectly captured by the way it has been constructed: the sounds, the melody, the words and the emotions behind them all con- tribute to transpose the audience into the very heart of Kalba. Which is no small achievement. 
 


Kalba also features a string of very special guests including Seb Rochford, Leafcutter John, Raph Clarkson, and Elliot Galvin, who have lent their musical brilliance to making this record a reality and giving it such a particular, warm sound. 
 


The project came about thanks to the wonderful team at Rüt’n’Rock Festivals, especially Tim Becker and Svenja Albers, and part of the proceeds from this album will be directed to funding their mission of building a school in Kalba, in order to continue to use education as a way to impact on people’s lives in the most positive and sustainable way. 
 


1. Yesu Yan Yan 05:11

2. Highlife 05:37

3. Bo Ma 03:54

4. I Know (I'm OK) 04:57

5. Da Po 00:27

6. Für Svenja 03:32

7. Nye Fo Chen 04:41

8. La Cocina 03:34

9. Bo Le De Ma 03:50

10. So Ma 04:35 

 Narrador, poeta, compositor, guitarrista y percusionista, Cheikh N'Digel Lô ha tocado reggae, rumba congoleña, son, mbalax, jazz, funk y afrobeat en una carrera que comenzó en 1985 y que ahora alcanza un punto de inflexión con Jamm, su trabajo más íntimo, definido por él mismo como "un arco iris de sonidos".

Aunque nacido en Burkina Faso, Cheikh Lô es una de las principales figuras de la escena musical senegalesa. Seguidor de Baye Fall, lider del sufismo africano (motivo de sus rastas y por el que viste de forma coloreada), Cheikh Lô considera que su música es un cóctel de sabores africanos (rumba africana, sonidos mandingas y sobre todo mbalax), a los que añade sabrosas especias latinas, arreglos jazzies y ritmos funk.

Instalado en París en 1984, donde trabaja como baterista de estudio, regresa unos años más tarde a Senegal donde graba sus primeras cintas, que llamaron la atención de Youssou N´Dour quien produjo su debut con Ne La Thiass (1996), disco que le abrió las puertas a una carrera internacional.

Las influencias acumuladas alrededor del mundo, asociadas a su fuerte personalidad, darán lugar a otros tres álbumnes más, siendo Jamm (2010) su último trabajo. Editado por World Circuit y producido por el propio Cheikh Lô y Nick Gold, está conformado por diez temas que fueron grabados en sesiones en el estudio del bajista Thierno Sarr. El producto final es un magnífico disco que incluye colaboraciones de tres grandes como Tony Allen (batería de Fela Kuti, gran multiinstrumentista y cantautor nigeriano), Pee Wee Ellis (saxofonista de James Brown), y el violinista cubano Omar Puente, que mantiene el concepto original de la diversidad, entrecruzando estilos y lenguas (wolof, dioula, bambara, castellano y francés) con un fuerte toque acústico e intimista pero sin perder su groove. Una trabajo estupendo que deja un gran espacio a los temas espirituales y sociales (según la tradición musulmana sufi de la que Cheickh Lô es un fiel practicante), ideal para dar a conocer la música, los ritmos y la poesía de Africa del Oeste.

01. Conia

02. Jamm

03. Il N'est Jamais Trop Tard

04. Warico

05. Sankara

06. Seyni

07. Dieuf Dieul

08. Bourama

09. The Parti Pas

10. Folly Cagni

 
Cuando Tal National alcanzó la aclamación internacional con el 'Kaani' de 2013, el primer lanzamiento de la banda fuera de Níger, pasaron más de una década atravesando su país natal, generalmente en caminos de tierra a través del Sahara, tocando sets épicos de cinco horas, siete días a la semana, vendiendo sus CD en las esquinas y rotondas. En el proceso, se convirtieron en la banda más popular de Níger, con canciones constantemente criticadas en la televisión nacional y teléfonos celulares en todas partes. Tras el lanzamiento de 'Kaani' de FatCat, el público y los críticos occidentales rápidamente adoptaron el sonido singular y finamente afinado de la banda. NPR fue golpeado por "la rigidez de la banda y la energía ardiente"; The Guardian elogió "su enfoque de inclinación total e intensidad hipnótica"; mientras que Songlines escribió sobre "un sonido rico e híbrido que se basa en elementos familiares del oeste de África para crear algo gratificantemente fresco y diferente". FatCat lanzó la deslumbrante continuación, 'Zoy Zoy', el 13 de abril de 2015, una vez más con gran aclamación crítica, con gritos de Pitchfork, Uncut, Afropop Worldwide, FADER, The Quietus y una portada en fRoots. Con cada amontonamiento de elogios, todos parecían hacer eco de la evaluación de NPR de que "¡No hay forma de que no bailes con este!".

Preparándose para su tercer álbum para FatCat, Tal National rememora un período fértil en el que perfeccionó su sonido y recorrió los EE. UU. Varias veces, dejando al público sudado y aturdido una y otra vez. Han establecido sets increíbles en WOMAD y Roskilde, trayendo la misma intensidad y júbilo al festival como lo harían con un club abarrotado, convirtiendo al wallflower más acérrimo en un bailarín por la noche. En su esencia, esa es la intención de Tal National, hacer bailar a la gente. Con el nuevo álbum 'Tantabara' (con vencimiento en febrero de 2018) la banda continúa su búsqueda en curso para traducir esa energía a cinta, embotellando la fiesta para uso personal.

Níger tiene fronteras con Nigeria, Malí y Ghana. Dentro de esta antigua colonia francesa se encuentran poblaciones Songhai, Fulani, Hausa y Tuareg, todas ellas representadas en la membresía de Tal National. Como tal, la nación disfruta de una mezcla muy variada de culturas y etnias, todas ricamente impregnadas de música. No es extraño a las músicas highlife, kora y afrobeat, mientras le da al mundo Tuareg Blues y una marca única de hip-hop. En la música de Tal National se escuchan los ritmos ondulantes de 12/8 en la percusión fuji de Hausa, la aridez pensativa de la assouf de Tuareg y la exquisita guitarra griot de Songhai de Mali, todo ello entregado con precisión virtuosa y energía implacable. Después de incluir a 'Kaani' en sus mejores 10 álbumes de 2013, The New York Times escribió que "la música sigue adelante con una sorpresa tras otra: partes de la guitarra que se alinean, divergen y reconfiguran, tocando la batería que rebota en ritmos poco convencionales. Los patrones son nítidos, complejos e incansables ".

Los tres álbumes de FatCat fueron grabados en Niamey, la capital de Níger, por el productor / ingeniero residente en Chicago Jamie Carter, usando una plataforma de grabación remota en un polvoriento estudio improvisado (para 'Kaani', Carter recibió tres serias descargas eléctricas). Uno de los países más pobres del mundo, Níger no tiene estudios de grabación, tiendas de instrumentos de música o tiendas de discos adecuados. El baterista hace sus propios palos. A pesar de esto, o tal vez por eso, Tal National prospera en un país agotado de recursos pero repleto de música y ritmo. Sus canciones son intensas pero sofisticadas, combinando números originales con nuevos arreglos de canciones populares de África Occidental, que tratan temas de amor, tolerancia, paz, belleza femenina y la expresión de la danza física de la mujer basada en los ritmos africanos tradicionales. La banda habla francés, pero usan la expresión estadounidense "muy rock and roll" muy en serio, lo que implica su conciencia de que las guitarras fuertes y la complejidad rítmica desconcertante los separa de sus pares del oeste de África. Un oyente atento podría captar las ideas de producción de una mente occidental nutrida en el indie-rock que Carter no pudo evitar sugerir. Usando como espina dorsal el sonido que respira Tal National: electricidad pura e increíble virtuosidad tejiendo una red de melodía y ritmo, la pulpa del álbum es una respuesta a la creciente estatura de Tal National en casa en Níger y su exposición a audiencias en otras partes de el mundo.

En el escenario, Tal National se presenta con seis músicos, pero debido a su riguroso programa de actuaciones puede incluir hasta trece miembros en cualquier momento. En los espectáculos, los músicos cambian regularmente de lugar a mitad de camino a través de las canciones (incluida la increíble vista de percusionistas intercambiando sin perder el ritmo). Algunas noches la banda puede dividirse para tocar dos conciertos simultáneamente.

1 Tantabara 5:01

2 Belles Reines 5:01

3 Entente 3:12

4 Duniya 4:27

5 Akokas 4:58

6 Pama 6:03

7 Trankil 4:44

8 Aminiata 4:37

Fuente: http://talnational.com/

 Si hay una persona a la que se la pueda considerar virtuosa, esa es Richard Bona. Vocalista, multi-instrumentista y compositor, con un acervo musical impresionante, Bona es uno de los músicos africanos que mejor ha sabido fusionar los sonidos y tradiciones musicales de su África natal, la influencia europea y el mejor jazz americano, generando grandes canciones. Y su virtuosismo procede, precisamente, de su bagaje experiencial: su abuelo era un destacado percusionista y su madre cantante, empezó a cantar con cinco años y en su infancia construía flautas, instrumentos de percusión e, incluso, guitarras; en sus primeros años en Francia estudió música y composición, empapándose de Miles Davis, Chet Baker y Ben Webster, y trabajando con Didier Lockwood (violinista), Marc Ducret (guitarra), Manu Dibango (batería) y Salif Keita. En sus primeros años en Nueva York acompañó a músicos tan diversos como Paul Simon, Chucho Valdés, Harry Connick Jr., Eddie Palmieri, Pat Metheny, Herbie Hancock, Branford Marsalis y Bobby McFerrin, llegando a ser director musical de la banda de Harry Belafonte.

Sus dos primeros trabajos en solitario, Scenes From My Life (1999) y Reverence (2001) son un auténtico resumen de lo que es capaz de hacer este bajista, tocando jazz ambientado en la música africana, con funky y un poco de cumbia latinoamericana. En 2003 publicó su tercer trabajo discográfico, Munia The Tale, que es un disco con creaciones que Bona fue recopilando en su carrera y con un registro que va desde el jazz a la música de raíz, acompañado por una excelente banda interracial. En el año 2004, se unió al antillano Gerald Toto y al congoleño Lokua Kanza para grabar el disco Toto Bona Lokua.

En Tiki ("Tesoro", 2005) tampoco olvida esos acordes e influencias brasileñas que siempre pueblan sus canciones y emplea las armonías vocales que ha heredado de sus antepasados. Es decir, auna su maravillosa técnica con el bajo con una conexión que transita, en viaje de ida y vuelta, a través de Camerún, Brasil, Estados Unidos y Cuba. Junto a las melodías y cadencias de su zona natal afloran ritmos de bossa y cha cha chá, funky, rhythm & blues, arreglos de jazz y una instrumentación meticulosa, con espacios para el lucimiento individual de los invitados.

Se ha dicho de él: "Si Jaco Pastorius hubiera nacido en el Camerún, se llamaría Richard Bona".

Tracks list:

01. Tiki

02. Dipama

03. Kivu

04. O Beta O Siba

05. Esoka Bulu (Night Whisper)

06. O Sen Sen Sen

07. Manyaka O Brazil

08. Three Women

09. Ba Senge

10. Ida Bato (Ancient Song 1789)

11. Akwa Samba Yaya

12. Calçabão de Copacabana

13. Samaouma

14. Nu Sango

 
Nacida en un barrio criollo de Lisboa, Lura se dedica a los ritmos de Cabo Verde, pero también al pop portugués, el jazz y la música africana en general. Considerada como una de sus mejores exponentes, Eclipse es su quinta producción musical, catorce piezas que nos muestran los ritmos musicales tradicionales de Cabo Verde.

Lura (Maria de Lurdes Pina Assunção) comenzó su carrera musical en 1996, a los 21 años, cuando grabó su primer álbum con el título Nha Vida. En 2002, Lusáfrica produce su segundo álbum, In Love, con temas rhythm & blues, zouk y canciones de Tcheka (uno de los renovadores del batuque caboverdiano) que ofrecen la pausada esencia de la música de Cabo Verde. En noviembre de 2003 fue una de las tres cantantes seleccionadas para el proyecto "Women of Cape Verde", una serie de conciertos realizados en el Reino Unido, lo que contribuyó al lanzamiento de sus álbumes en diversos países europeos. En 2004 graba Di Korpu Ku Alma, donde combina morna, fado portugués y coladeira, más optimista y con sabor brasileño.

Eclipse (2009) es su mejor álbum hasta la fecha. Grabado entre Bruxelas, Lisboa, París, Praia y Nápoles, esta quinta obra confirma el talento seguro y la elegancia natural de una cantante que no deja de sorprender. Los temas han sido compuestos por el gran Mário Lúcio, Toy Vieira, B. Leza (histórico compositor caboverdiano) y Orlando Pantera (compositor que modernizó los ritmos más africanos de Cabo Verde antes de su temprana desaparición en 2001).

La artista interpreta batuque, mornas (como "Eclipse", en honor a su mentora, Cesária Évora), e incluye funanás como "Libramor", "Um dia" y "Terra´L", una mirada amorosa al alma de la diversidad musical de su país de origen, llena de entusiasmo, energía e ingenio.

Página web oficial: Lura

tracks list:

01. Libramor

02. Um Dia

03. Tabanka

04. Eclipse

05. Marinhêro

06. Maria

07. Terra'L

08. Quebród Nem Djosa

09. Na Nha Rubera

10. Orfelino

11. Sukundida

12. Mascadjôn

13. Queima Roupa

Bonus Track - Canta Um Tango

Página web oficial: Lura